Spannende Momente in der Geschichte des Designs. Angefangen mit dem asymmetrischen L-förmigen Red House von 1859, das den Beginn der Arts-and-Crafts-Bewegung markierte und eine einfache Ästhetik ohne Schnörkel propagierte, bis hin zur Einführung des iPhones im Jahr 2007 mit innovativer Technologie und einem Schwerpunkt auf Benutzerfreundlichkeit mit optimierter Ästhetik und intuitivem Design – die moderne Geschichte ist voller Momente, die unsere Lebenserfahrung geprägt und Objekte geschaffen haben, denen wir jeden Tag begegnen, und dabei Design als einen sich ständig weiterentwickelnden, lebendigen Organismus demonstriert, der die Art und Weise, wie wir uns in der Welt bewegen, unter dem Einfluss der Kulturen, die ihn schaffen, verändert und gleichzeitig die Gesellschaften, die ihn annehmen, mit neuen Arten der Selbstwahrnehmung und unserer Beziehung zu der Umgebung, in der wir leben, prägt. Von Vorträgen und berühmten Werken bis hin zu Ausstellungen und Präsentationen von Produkten, die das Leben verändert haben, blicken wir auf die Designmomente der letzten 150 Jahre zurück und heben die bekanntesten und einflussreichsten hervor, deren Höhepunkt zeigt, was gutes Design großartig macht: unübertroffene Nützlichkeit, harmonische Ästhetik und introspektive Überlegungen darüber, wie wir in gut durchdachten Räumen miteinander leben.
„Behalte nichts in deinem Haus, was du nicht für nützlich oder schön hältst“, bemerkte einmal William Morris, eine zentrale Figur der Arts-and-Crafts-Bewegung, dessen Glaube an die Fähigkeit der Kunst, die Gesellschaft zu verändern, die Designbewegungen des späten 19. und 20. Jahrhunderts beeinflusste. Einer der Momente, die die Entstehung der Ethik dieser Bewegung, die die zukünftige Rolle des Designs in einer harmonischen Gesellschaft bestimmte, abschlossen, war die Gründung der „Glasgow Four“, deren einzigartiger Stil die geometrische Strenge von Frank Lloyd Wright und seinen Gebäuden „Prairie School“ mit Elementen fließender Formen, die später zum Jugendstil wurden. Nachdem sie sich Mitte der 1890er Jahre an der Glasgow School of Art kennengelernt hatten, schufen die Designlegenden Charles Rennie Mackintosh, James Herbert McNeir und die Schwestern Margaret und Frances Macdonald in ihrer kreativen Allianz innovative und manchmal umstrittene Projekte, die zum „Glasgow-Stil” beitrugen und den Weg in eine Zukunft ebneten, in der Projekte rationalisiert und in Geometrie und Proportionen gut ausbalanciert sein konnten. Als Adolf Loos 1910 einen Vortrag hielt, der auf seinem Essay „Ornament und Verbrechen” von 1908 basierte, stellte er die These auf, dass die Entwicklung der Kultur gleichbedeutend mit dem Verschwinden von Ornamenten aus Gebrauchsgegenständen sei. Diese These löste einen Dominoeffekt in späteren Bewegungen aus, darunter in der De-Stijl-Bewegung, deren Manifest von 1918 gutes Design als Abkehr vom Individuellen hin zu universellen Gesetzen der Balance und Harmonie in der Kunst definierte, was durch die Verwendung einfacher geometrischer Formen und leuchtender Farben veranschaulicht wurde, und in der Bauhaus-Bewegung, deren erste Ausstellung im Jahr 1923 neue Technologien für viele klassische Designwerke wie die Bauhaus-Lampe begrüßte, die aufgrund ihrer raffinierten Einfachheit, Praktikabilität und innovativen Einheit von Kunst und Design ihre Spuren in der Welt hinterlassen haben. Zu dieser Zeit hielt der Gründer des Bauhauses, Walter Gropius, seinen berühmten Vortrag „Kunst und Technik: eine neue Einheit”.
Die folgenden Jahre waren geprägt von der Entstehung der Ästhetik des Modernismus, und 1927 verzichtete Charlotte Perriand auf die dekorativen, überwiegend aus Holz gefertigten Konstruktionen jener Zeit zugunsten eines Raumes aus Aluminium, Chrom und Glas, der ursprünglich im obersten Stockwerk ihrer Wohnung untergebracht war. Dieses bahnbrechende Projekt mit dem Titel „Die Bar unter dem Dach” (Le bar sous le toit) wurde von Le Corbusier entdeckt und überzeugte ihn, Perriand in sein Team aufzunehmen. Das Ergebnis war eine Reihe ultramoderner Möbelentwürfe, die unter ihrem Einfluss entstanden und in denen Stahlrohre und die klaren Formen des frühen Modernismus zum Einsatz kamen. Da Le Corbusier das Haus als Maschine zum Wohnen betrachtete, verdienten die Alltagsgegenstände, die unsere Häuser schmücken, verdienten Respekt für ihre Fähigkeit, unser Leben mit Leichtigkeit und Schönheit zu gestalten, und 1936 wurden diese Gegenstände auf der Ausstellung „Everyday Things” (Alltagsgegenstände) präsentiert, die vom Royal Institute of British Architects organisiert wurde und das Alltagsleben zu einem Umfeld erhob, das es wert war, studiert und gewürdigt zu werden. Diese Ideen begannen sich kurz darauf in den Vereinigten Staaten zu entwickeln, als eine Welle europäischer Modernisten vor Nazi-Deutschland in die USA emigrierte. 1938 emigrierte Mies van der Rohe und wurde Direktor des Armour Institute in Chicago, das später in Illinois Institute of Technology umbenannt wurde. Dort entwickelte er ein Lehrprogramm, das eine ganze Generation amerikanischer Architekten beeinflusste und die Skyline amerikanischer Städte mit eleganten, gläsernen Büro- und Wohnhochhäusern verschönerte. 1940 veranstaltete das MoMA in New York einen Wettbewerb zum Thema „Organisches Design in Haushaltsgegenständen” aus, eine Ästhetik, die von den skandinavischen Designern Arne Jacobsen und Hans Wegner populär gemacht wurde, und dieser Wettbewerb machte die Welt zum ersten Mal mit den Werken von Eero Saarinen und Charles und Ray Eames bekannt. Organisches Design blieb auch in den 1940er und 1950er Jahren aktuell, als die Nachkriegstechnologie neue Materialien wie Aluminium, Stahl, Leimholz, Glasfaser und Kunststoff zugänglicher machten, was es Designern ermöglichte, mit neuen Formen zu experimentieren, die bis heute beliebt sind, wie beispielsweise die Eames-Esszimmerstühle aus geformter Glasfaser und der Eames Lounge Chair für Herman Miller.
Mitte der 1950er und Anfang der 1960er Jahre begann die Welt, Produktdesign als etwas zu betrachten, das aufgrund seiner Rolle bei der Anpassung der Menschen an die Moderne und das Leben in einer Welt der Träume, Wünsche, Bedürfnisse und Lebensgewohnheiten ebenso viel Respekt und Aufmerksamkeit verdient. Als Dieter Rams 1955 zu Braun kam, führte seine Philosophie „Weniger, besser” dazu, dass Braun durch Produkte wie das Radio SK 4 und die hochwertige D-Serie bekannt wurde, deren strenge, aber gleichzeitig beruhigende Ästhetik es den Haushaltsgeräten ermöglichte, sich organisch in ihre Umgebung einzufügen. Diese harmonische Verbindung von Form und Funktion spiegelte sich auch in der Architektur wider, wo Frank Lloyd Wright das Guggenheim Museum entwarf, das 1959 eröffnet wurde, als Beweis für seine Überzeugung, dass Form und Funktion eins sein und sich zu einer spirituellen Einheit verbinden sollten. Etwa zur gleichen Zeit arbeitete Oscar Niemeyer mit Ingenieuren, Stadtplanern und anderen Architekten an der Gestaltung der neuen brasilianischen Hauptstadt Brasília. Seine 1960 fertiggestellten Regierungsgebäude erforschten die Ästhetik von Stahlbeton und umfassten Gebäude, die scheinbar über dem Boden schwebten, von Säulen getragen wurden und der Natur darunter Raum zum Gedeihen ließen. Es war die erste große Stadt, die vollständig nach modernistischen Prinzipien der Funktionalität und Ästhetik gebaut wurde. Mit dem Ziel, Wohnraum für eine große Anzahl von Menschen wirtschaftlicher und erschwinglicher, komfortabler und effizienter zu gestalten und modernes technologisches Know-how in der Architektur anzuwenden, brachte Buckminster Fuller den Modernismus mit seiner Geodätischen Kuppel zu einem strukturell interessanten Abschluss und eröffnete 1967 im US-Pavillon auf der Weltausstellung in Montreal sein erstes groß angelegtes Meisterwerk, das den Einfluss energieeffizienten Designs durch die Verringerung der Oberfläche und damit weniger Material verbraucht, einen natürlichen Luftstrom erzeugt und Strahlungswärmeverluste für eine optimale Temperaturregelung verhindert, wodurch Form und Funktion auf radikale, faszinierende Weise miteinander verbunden werden.
Auch im Grafikdesign gab es viele Errungenschaften in Bezug auf gutes Design als effektive Kommunikation, die unsere Interaktion mit der Welt um uns herum angenehmer, effektiver und verständlicher macht. Einer der Höhepunkte in der Geschichte des modernen Designs ist die Präsentation der New Yorker U-Bahn-Karte von Massimo Vignelli im Jahr 1972, deren Wert in der Logik über der Ästhetik lag und die den Menschen half, sich in einem komplexen System zurechtzufinden, und die bis heute dank ihrer Klarheit und Anmutigkeit effektiv ist. Im selben Jahr wurde im MoMA die Ausstellung „Italien: Eine neue Innenlandschaft, die den eleganten Minimalismus von Meistern wie Mario Bellini und Achille Castiglioni lobte und den Ansatz des Kontordesigns veranschaulichte, bei dem weniger mehr ist und die Schönheit alltäglicher Gegenstände in ihrer kunstvoll ausgeführten Einfachheit zu finden ist. Dies markierte einen Trend zur Wahrnehmung von Werken, die später im selben Jahrzehnt entstanden, wie der „Glasstuhl“ von Siro Kuramata (1976) und der „Stuhl 77“ des minimalistischen Designers Bruno Ninaber van Eeben (1977). Während jedoch die Reinheit der Formen und der klare Minimalismus dieser Designer im Einklang mit den Traditionen des Modernismus an Popularität gewannen, beschlossen andere Designer, Konventionen in Frage zu stellen, indem sie auffällige, ungewöhnliche und insgesamt provokante Objekte schufen, wie beispielsweise die 1981 von Ettore Sottsass gegründete Memphis Group. Dies gab den Anstoß für die postmoderne Wahrnehmung von Werken wie dem Stuhl Wink von Toshiyuki Kita oder dem Stuhl Green Street von Gaetano Pesce.
In den 1980er Jahren war tatsächlich ein Anstieg der Popularität von leuchtenden Farben und ungewöhnlichen Formen zu beobachten, was zu einer Tendenz zur Beibehaltung eines strengen, monochromen Ansatz bei der Innenraumgestaltung, wie die Innenausstattung von André Putman für das Morgans Hotel im Jahr 1984 zeigte, die den Beginn der Ära der Boutique-Hotels markierte. Es gab auch das Bestreben, emotionales und intuitives Design zu fördern, wie Paul Rand auf seinem Symposium 1988 an der School of Visual Arts erklärte, wo er ausführlich beschrieb, dass Design im Wesentlichen alles, was man entwirft, „viel mehr ist als nur das Sammeln, Ordnen oder sogar Bearbeiten: Es bedeutet, Wert und Bedeutung hinzuzufügen, zu verdeutlichen, zu vereinfachen, zu klären, zu verändern, zu veredeln, zu dramatisieren, zu überzeugen und vielleicht sogar zu unterhalten”. Im selben Jahr kuratierte Jasper Morrison eine Auswahl einfacher, aber schöner Alltagsgegenstände für seine erste Supernormal-Ausstellung „Einige neue Dinge für das Haus, Teil 1“ in Berlin, die der berühmten Ausstellung von 2006 vorausging, die gemeinsam mit dem bekannten Designer Naoto Fukasawa organisiert wurde. Die Ausstellung präsentierte Designs von Gegenständen, die sich durch ihre Reduktion auf das Wesentliche, ihre intuitive Bedienbarkeit und ihre emotionale Anziehungskraft auszeichnen.
Bis 1992 wurden Ergonomie und Design für das digitale Zeitalter zu einer Priorität für Hersteller wie Humanscale und Steelcase. Zu dieser Zeit stellte Herman Miller den Aeron-Stuhl vor, der das Konzept von Arbeitsstühlen im Arbeitsplatzdesign neu definierte.
Mit dem Übergang vom 20. zum 21. Jahrhundert , füllten sich die Horizonte weltweit mit den fließenden Formen von Zaha Hadid , deren herausragender Beitrag zu Architektur und Design ihr 2004 als erster Frau den Pritzker-Preis einbrachte. Für Hadid sollte Architektur „berühren, beruhigen und zum Nachdenken anregen”. Für andere müssen Architektur und Design auch sozial verantwortlich und ökologisch nachhaltig bleiben, was zu einem Markenzeichen der heutigen Zeit geworden ist, die von einem „grünen Zeitgeist“ geprägt ist, wie es in der Veröffentlichung „Cradle to Cradle: Remaking the Way We Make Things” aus dem Jahr 2002 und in Norman Fosters TED-Vortrag aus dem Jahr 2011 dargelegt, in dem er argumentierte, dass die Auswirkungen auf die Umwelt in modernen Projekten unter Berücksichtigung der klimatischen und kulturellen Besonderheiten eines bestimmten Ortes berücksichtigt werden müssen. Insgesamt haben diese Momente, die uns die besten Beispiele für modernes Design der letzten anderthalb Jahrhunderte beschert haben, definiert, was es bedeutet, mit gutem Design zu leben, unser Leben mit Nützlichkeit und Schönheit zu bereichern und, wie Norman Foster bemerkte, für die Gegenwart zu entwerfen, wobei man die Vergangenheit und die Zukunft, die im Grunde genommen unbekannt ist, im Auge behält.
